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인도양과 태평양 사이에 있는 크고 작은 섬들로 이루어진 필리핀은 말레이계의 인종을 모체로 하고 있다. 수많은 섬으로 이루어졌다고는 하지만 국민의 96%가 루손(Luzon) 섬이나 민다나오(Mindanao) 섬 등 주로 11개의 섬에 거주하고 있다.

필리핀은 300년이 넘게 스페인의 통치를 받은 결과 민족적으로 많은 혼혈을 발생시켰고, 생활, 언어, 음악 등 문화적인 면에서도 상당히 유럽화되어, 동남아시아 중에서도 독특한 존재라고 할 수 있다. 또한 20세기에 들어화서는 미국의 영향까지 더해져 현재 인구의 대다수가 향유하고 있는 음악은 만돌린, 기타, 키보드 등을 사용한 팝이나 가요곡풍의 노래가 압도적이고, 가톨릭교회의 음악이나 서양고전음악이 생활 속에서 큰 위치를 차지하고 있다.

필리핀에서는 이러한 서구의 영향을 받으며 스페인적인 색채를 남기면서도 새로운 필리핀양식이라고 불리는 음악과 무용이 생성되었는데, 그 대표적인 것이 론달라(rondalla)이다. 론달라는 만돌린, 기타, 더블베이스를 기본으로 하는 민속적 성격의 합주인데, 스페인문화의 흔적을 보이고 있고, 노래의 가창방식이나 발성, 사교댄스적인 동작도 서양적이다. 또한 필리핀 하면 더올리는 티니클링(tinikling)이라는 대나무춤은 서양적으로 변용되어 전승되고 있다. 이것은 긴 두 개의 대나무 봉을 리드미컬하게 서로 부딪히게 하고, 무용수는 발이 사이에 끼지 않게 규칙적으로 스텝을 밟으며 추는 춤이다.

필리핀 전통무용 티니클링/ⓒ필리핀관광부 FaceBook

한편 필리핀에는 인구비율이 적기는 하지만 서양의 영햐을 받지 않고 독자적인 음악문화를 전승하고 있는 소수민족들이 있다. 대표적인 것은 루손 섬 북부의 산지민족 이로로트(Igorot)족과 남부의 민다나오 섬과 술루(Sulu) 열도에 살고 있는 여러 민족들이다.

필리핀 북부의 이로로트족이 살고 있는 칼링가(Kalinga)지역에서는 평평한 징이나 대나무로 만든 악기를 6명이 하나의 그룹이 되어 연주하는 형태가 있다. 합주의 원리는 비슷한 리듬을 차례대로 연주하여 겹쳐나가는 방식인데, 이러한 점은 인도네시아의 가물란과도 통하는 점이다. 다만 가믈란과 같이 선율을 만들어나가는 것이 목적이 아니라, 다양한 음색을 조합하여 그것을 일정한 리듬형에 얹는 것에 중점을 두고 있다.

필리핀 북부 칼링가 지역/ⓒ위키백과

칼링가 지역음악세서 사용하는 악기는 강사(gangsa), 통가통(tongatong), 발링빙(balingbing), 사게이포(saggeypo), 쿨리빗(kulibit), 온낫(onnat), 통갈리(tongali), 팔동(paldong) 등이 있다.

강사는 평평한 면을 가진 징의 일종으로 6명이 함께 연주한다. 연주방법에는 두 종류가 있는데, 강사를 무릎 위에 올려놓고 손바닥으로 쳐서 소리를 내는 방법과 징에 끈을 달아서 왼손으로 들고 오른손의 채로 쳐서 소리를 내는 방법이다. 처음에 이 합주를 들으면 어떤하 ㄴ규칙도 없이 대충 치는 것같이 들리기도 하지만, 신체의 움직임과 음의 변화를 주의 깊게 관찰하면 이 합주가 얼마나 구체적으로 구성되었는지를 알 수 있다.

통가통은 굵은 대나무통을 바닥에 쳐서 소리를 내는 악기로, 역시 6명이 한 조가 되어 연주한다. 대나무통 윗부분의 구멍을 손으로 막거나 열면서 변화의 폭을 넓히며 연주한다.

발링빙은 대나무의 한쪽을 쪼개서 만든 악기로, 좌선을 하는 승려들이 졸거나 딴 생각을 할 때 치는 죽비와 비슷하게 생겼다. 오른손으로 쪼개지 않은 부분을 잡고 왼손바닥에 가볍게 튕겨내듯이 치면 "비웅비웅"과 같은 울림이 난다. 이 악기도 6명이 함께 연주한다.

사게이포는 6명이 한 조가 되어 이루어지는 팬파이프이다. 지공이 없는 1개의 대나무관을 한 사람씩 연주하여 팬파이프와 같은 효과를 낸다. 연주자들은 복식호흡을 하면서 조금씩 시간을 어긋나게 하여 한 사람씩 참가해나가는 방법을 취하고 있다.

쿨리빗은 대나무로 만든 현악기를 말한다. 굵은 대나무를 준비하고 그 표피를 가늘고 길게 잘라내어 줄로 사용하는데, 이때 양쪽 끝이 잘라지지 않게 주의하여, 만들어진 줄과 본체의 사이에 작은 줄 받침을 끼우면 줄에 장력이 생겨 훌륭한 현악기가 된다. 이것이 쿨리빗이다. 완성된 악기를 양손으로 잡고 엄지, 검지, 장지를 사용하여 현을 뜯는데, 양손을 사용하기 때문에 혼자 연주해도 2성부의 음악과 같이 들린다.

온낫은 칼링가에서 사용하는 구금(口琴), 즉 입으로 부는 현악기를 말한다. 구금은 대나무로 만들기도 하고, 금속으로 만들기도 한다. 대나무 구금의 경우, 잘게 잘라진 대나무의 끝을 손가락으로 튕기고 구강을 공명통으로 삼아 소리를 내는데, 입의 형태에 따라서 다른 소리가 나기 때문에 독주뿐 아니라 합주로도 즐길 수 있다.

통갈리는 코로 부는 대나무 피리를 말한다. 조상연혼과의 대화나 아름다운 사랑의 속삭임의 대용으로 사용되는 통갈리는 칼링가에서 매우 귀중한 존재로 여겨지고 있다.

팔동은 대나무 종적으로 앞에 구멍이 3개, 뒤에 1개가 있다. 우리나라의 단소와 같은 계통으로 형태뿐 아니라 음색도 비슷하다.

소나타-알레그로형식에서 제1주제와 제2주제를 으뜸음과 딸림음으로 사용하는 근거는 '화성법' 때문이다. 작곡을 위한 기초이론쯤으로 생각하는 화성법은 고전이 아니라 바로크 말기인 1722년에 라모에 의해 완성된 것이다. 화성법은 장음계와 단음계에 쓰이는 7개의 음, 계명으로 부를 때 '도레미파솔라시(도)'의 음들이 음계 안에서 어떤 역할을 하는지를 정리해 놓은 것이다. 음계를 구성하는 7개의 음 중 첫 음을 '으뜸음(tonic)'이라고 부르는데 그 이유는 첫 음이 음계의 주인역할을 맡고 있기 때문이다. 으뜸음을 제외한 나머지 6개의 음들은 각기 다른 방식으로 으뜸음이 음계에서 가장 중요한 음이라는 것을 설명(지지)한다는 라모의 주장을 가리켜서 기존의 습관적인 화성의 사용과 대비시켜 '기능화성' 혹은 '조성(tonality)'이라고 한다.

음향학에 근거한 라모의 화성이론은 사람들이 '도-미-솔' 같은 3화음을 좋아하는 이유가 학습이나 습관이 아니라 자연현상이기 때문이라고 설명한다. 예를 들어서 피아노나 바이올린으로 가온 C음을 연주할 때 우리가 그 음을 가온 C음으로 듣는 것은 가온 C음이 아닌 무수히 많은 음들이 같이 울린다는 것이다. 들리지 않지만 배경에 같이 존재하는 음이란 뜻에서 이러한 현상을 배음(倍音, overtone)이라고 부르는데, 라모는 C음의 배음에는 C음이 가장많고, 그 다음에 G음, 그리고 E음이 가장 많다고 이야기한다. 즉 배음이 3화음과 유사한 음들을 중심으로 이루어져 있기 때문에 사람들이 3화음을 좋아하는 것이라는 말이다.

이미 바로크 말기부터 사람들은 으뜸음과 딸림음의 관계, 그리고 3화음(도-미-솔)이 자연법칙에서 유래되었다는 라모의 주장을 수용해왔다. 따라서 2개의 주제가 으뜸음과 딸림음 관계로 이루어진 소나타-알레그로 형식은 자연의 규칙을 음악화한 자연스럽고 보편적인 형식이 되는 것이다.

이런 이유에서 고전시대 사람들은 소나타-알레그로형식을 쉽고 단순하면서 보편적인 자연스러운 것으로 받아들인다. 그렇지만 경험을 통해 자연스럽게 습득한 상식에 불과하다 믿었던 소나타-알레그로형식, 음뜸음과 딸림음의 관계, 제1주제와 제2주제의 관계는 19세기에 접어들면서 형식이라는 틀 안에서 음악적 표현의 자유를 제한한다는 비판을 받게 된다.

[음악의 이해와 감상/김종수 권도희 김성혜 이지선 유영민]

시조창(詩調唱)

[사진 전통 장구/네이버지식백과]

 시조창은 영조(재위1724~1776) 무렵부터 노래로 불린 것으로 추정되고 있다. 처음에는 평시조 형식만 있었는데, 초장을 높은 소리로 질러대는 지름시조, 장형시조를 촘촘히 얹어 부르는 사설시조, 가볍게 흥청거리는 창법으로 부르는 엇시조 등의 변주곡이 생겨났다.

 시조창은 3장 형식의 일정한 선율에 여러 시조를 얹어서 부르는 것이다. 가곡이 관현반주를 수반하는 것과는 달리 장구 하나만으로 반주를 한다. 가곡은 고도로 세련되어 음악적으로 많은 훈련이 필요하여 주로 전문가에 의해 불리지만, 시조창은 간단하여 일반인들이 쉽게 접근할 수 있다.

 메트로놈은 40부터 시작되는데, 시조의 1박은 메트로놈 40보다 더 느리고, 선율도 극히 단순하다. 그렇다면 시조의 아름다움은 어디에 있는가? 바람이 머리 위 소나무 숲으로 '쏴~악' 하고 스쳐 몰아오다가, 바람이 지나 멀어지면서 소나무 잎이 흔들리며 내는 여운의 소리가 아름다움을 느끼게 해주듯, 시조의 아름다움은 선율이나 리듬에 있는 것이 아니라 한 음이 흘러가면서 수묵화의 농담(濃淡)처럼 또는 바람에 흔들리는 소나무 잎처럼 만들어지는 소리의 역동성에 있다.

 엄밀히 말하면 서양음악에 익숙한 귀로 들었을 때 시조가 느리게 느껴지는 것이지 우리 전통음악에 익숙한 귀로 들으면 알맞은 속도이다. 서양인은 맥박을 기준으로 템포를 정하고 우리는 호흡을 기준으로 템포를 정했다. 보통 맥박은 1분간에 70회를 뛰고, 맥박이 6회 뛸 동안 호흡은 1회 한다. 서양은 맥박 1회를 1박으로 잡았고, 우리는 1/2 호흡, 즉 맥박 3회를 1박으로 잡았으므로, 속도감이 서로 다른 것 뿐이다.

<평시조>

십 년을 경영하여 초려(草廬) 한 칸 지어 내니

반 칸은 청품이요 반 칸은 명월이라

강산은 들일 데 없으니 둘러 두고 보리라.

<지름시조> 

삭풍(朔風)은 나무 끝에 불고 명월(明月)은 눈 속에 찬데

만리변성(萬里邊城)에 일장검(一長劍) 짚고 서서

긴파람 큰 한 소리에 거칠 것이 없어라.

<사설지름시조>

물 넘는 강상(江上)에 올라 나무도 꺾어 다리도 높고 돌도 발로 툭 차 데굴데굴 궁굴려 수렁도 뫼고

만첩청산 내리고 내리는 물결을 위여다가 어르렁 콸콸 더지 둥덩실 님 찾아 간다.

우리도 사랑 실은 배 타고 더지 둥덩실.

[음악의 이해와 감상/김종수 김성혜 이지선 유영민]

 '소나타'와 '소나타-알레그로형식'

 하이든, 모차르트, 베토벤과 함께 고전음악 하면 '소나타'라는 말이 금방 떠오를 것이다. 소나타는 원래 소나타-알레그로형식을 첫 악장으로 하는 여러장의 기악곡이라는 뜻이다. 3~4악장으로 이루어진 기악곡을 지칭하는 '소나타'라는 용어와 제시부(expositon), 발전부(development), 재현부(recapitulation)로 이루어진 '소나타형식'을 구분하기 위해 소나타의 첫 악장은 소나타-알레그로형식으로 부른다.

[사진 하이든/네이버지식백과]

 소나타-알레그로형식은 제시부,발전부,재현부로 이루어진다. 여기서 제시,발전,재현의 주체는 2개의 주제(Theme)이다. 즉 제시부는 2개의 주제가 제시되는 부분이라는 의미이고, 발전부는 2개의 주제가 다양한 조성으로 변형, 발전된다는 의미이다. 마지막으로 재현부는 첫 부분에 제시되었던 형태 그대로 2개의 주제가 다시 등장한다는 뜻이다.

[사진 모차르트/네이버지식백과]

 여기서 2개의 주제란 곡 전체에 반복적으로 등장함으로써 긴 곡이 산만해지거나 일관성이 없어지지 않도록 하는 역할을 할 뿐 아니라, 음악적(선율,리듬,조성)으로 그 그곡을 대표하는 주인공 역할도 담당한다. 연극이나 드라마로 말하면 주인공 역할을 맡고 있는 2개의 주제는 서로 상반된 성격을 갖는다. 2개의 주제를 극명하게 대비시키기 위해서 소나타 형식에서는 이 2개 주제의 리듬, 선율, 그리고 조성에 반드시 차이를 두도록 한다. 조성의 차이가 2개의 주제를 대비시키는 가장 중요한 이유인데 2개의 주제 중 먼저 제시되는 제1주제는 하앙 으뜸음조(I)로, 그리고 나중에 제시되는 제2주제는 대개 딸림음조(V)의 성격을 갖는다.

 제1주제와 제2주제가 원형 그대로 등장하지 않고 중간부분에서는 모양을 바꿔서 등장하는 부분을 '발전부'라고 부르는데, 이때 두 개의 주제는 처음 시작했던 조와는 다른 조성으로 계속 변하면서 등장한다. 조의 성격이 바뀌는 것을 전조(transposition)라고 하는데, 전조는 조를 마구잡이로 바꾸는 것이 아니고 일반적으로 '화성법'이라고 부르는 규칙에 따라 변형되어야 한다. 발전부가 끝난 후 두 주가 처음에 제시되었던 형태로 다시 등장하는 부분을 '재현부'라고 하는데, 재현부는 발전부에서 모호해졌던 주제의 조성, 리듬, 선율의 특성을 재확인해주는 역할을 한다.

[사진 베토벤/네이버지식백과]

 고전작곡가들은 2개의 주제가 원형 그대로 혹은 변형되어서 등장할 때 청자가 쉽게 알아차릴 수 있게 하기 위해 2개의 주제를 기억하기 쉬운 선율로 작곡하였다. 그런 이유에서 <운명>,<전원>,<합창> 같은 베토벤의 교향곡에 나오는 제1주제는 기억하기가 쉬운 것이다. 악보를 한참 들여다 보거나 연주하는 사람만이 알아차릴 수 있는 복잡하고 어려운 주제를 선택하지 않고, 고전작곡가들은 두세 번 들으면 금방 '귀에 붙는', 그래서 흥얼거릴 수 있는 선율을 주제로 사용하였다. 실제로 하이든이 1790년대에 런던의 시민을 위해 쓴 교향곡(제94~104번)을 묶어서 '런던 교향곡' 이라고 부르는데 이 중 제103~104번의 주제는 당시 런던에서 유행하던 대중적인 노래에서 따온 것이다.

 작품마다 차이가 있지만 대개 소나타 악곡은 4악장을 기본으로 한다. 각각의 악장의 형식을 간단하게 설명하면 다음과 같다. 제1악장은 소나타-알레그로형식이고, 제2악장은 대개 2부분으로 나누어지는 가곡형식(song form)이다. 가곡형식은 빠른 알레그로의 제1악장과 달리 느리고 여유 있는 아다지오 안단테의 템포이다. 제3악장은 미뉴에트나 스케르초(scherzo) 형식으로, 가운데 부분이 대조적인 3부분(ABA)으로 나누어진 후, 각각의 부분이 다시 3개(aba/cdc/aba)로 나누어지는 겹세도막형식이다. 이때 가운데 대조적인 부분(B)을 가리켜서 '트리오(trio)'라고 한다. 마지막 악장은 특벽한 형식이 정해져 있지 않지만 대개 론도(rondo)형식, 아니면 론도-소나타형식을 취하는데, 가장 빠른 템포인 비바체(vivace)나 프레스토(presto)로 활기차게 곡을 마무리 한다. 반복이란 뜻의 론도는 동일한 주제(A)가 여러 번 반복되면서 사이사이에 삽입구를 끼워넣어 대조를 이루는 구조를 말하는데, 구조는 ABACABA를 이룬다.

 4악장으로 이루어진 소나타형식은 하이든, 모차르트의 다양한 시도와 베토벤에 의해 확립된다. 그러나 이들의 작품은 소나타형식의 틀에 얽매이지 않고 형식을 자유롭게 응용, 해석한 것으로, 위에 설명한 소나타-알레그로형식과는 차이가 있다.

[음악의이해와감상/김종수,권도희,김성혜,이지선,유영민]